Images Seen Through the Media, and What Is Beyond / Hong Kyeong-han (art critic)

Images Seen Through the Media, and What Is Beyond

Hong Kyeong-han (art critic)

미디어를 통해 본 이미지, 그 너머의 것

홍경한 (미술평론가)

The imagery1) that implies nature, things, spirit, and perceptual experience is a visual schematization and analysis of the world where a human being is situated, as a means of carrying the eyes of a human subject. Going beyond a simple representation or reproduction of things, it serves not only as tangible and intangible marks, symbols, and signs of human desire (such as life, death, primitivism and shaman- ism). 2)

Who are the best to gure out the characteristics of these images? They are artists. For instance, the painting which has a long history is an accumulation of time by the painter’s cognitive action on a canvas, not simply as a signi er-object, but rather close to the meaning-body that contains metaphors and symbols. Dynamic paintings are such narrative-bodies as to unfold stories by following the ow of real time, in which neither the static nor the dynamic is identi ed as one, but both are so continuously related as to have cultural and political characteristics that carry various signi cations.

It is interesting that the present-day visual expressions are tending toward a new direction far away from the past one, due to the rapid development of media and the interdisciplinary consilience. In other words, the evolution of media is extending outside the formal category toward transforming the signi cation system of art itself, while the overwhelming spread of information media indicates the possibility of changing not only the particular experience of speculative sensation – likely to be evaluated as having low e ciency – but also the everyday visuo-perceptual colors and even the way of understanding society under the in uence of overwhelming media in ltration.

Artist Eum Hayoung’s works are also based on the possibility of change in the everyday visuo-percep- tual colors and even the way of understanding society under the in uence of media. He writes in his Artist’s Note that watching a child’s freewheeling sense of drawing “become standardized over time under the in uence of various media, I have been curious of the e ects of media and the society that imposes certain standards and rules. . . . [T]he way we are exposed to the information provided by the media is unilateral, so that I naturally came to imagine what the true story is inside.”This is not so much the interest in the mediatic form, but the attitude of recognizing and problematizing the phenomenon of proliferating media itself.

Probably so, the artist concludes that his works are “the outcome of imagining various emotions ac- quired in the process of collecting the images I have seen through the media and reconstructing sto- ries with them,” as a “personal process of reinterpreting the media content.” Broadly seen, this statement is ultimately in line with Maurice Merleau-Ponty’s idea that art is a part of the world. Which means although the world may not depend upon consciousness internally, images exist in the consciousness.

Indeed, Eum’s various works utilize a mix of di erent products, brand logos, particular letters, and im- ages borrowed from media. As in Curved Vase (2016) or Brufen (2017), something reveals semiosis by crossing con ictive letters and images explicitly, but another removes the existing part so as to empha- size the artist’s original intention of drawing.

A case in point is Hula Guys (2017) in which two dolls appear showing the clearly branded logo of Amazon, the rst and largest online bookstore and total shopping mall in the world. Evoking volun- tary or involuntary shackles with the invisible connection between di erent cultures, this work has a signi cance of symbolizing the present in which substances existing on a certain line of time become gridded in their own virtual spaces. Also, it re ects the recent days in which a processed state becomes reality by captivating presence, the renunciation of distinction between reality and virtuality, and the question about how to distinguish the values of what is seen and what is revealed. Compared to the visibility of the image itself, its intentionality is manifold.

Blue Fairy-Kate (You deserve to have your wish come true), 2016.

Gloss paint, Acrylic on canvas. 130 x 162 cm / 51 x 63.7 inches.

 

Blue Fairy-Kate (You deserve to have your wish come true) (2016) is another work put in the same context. Blue Fairy is the character appearing in the Disney animated feature lm Pinocchio3) and turning Pinno- chio into a human being. Kate is a world-renowned fashion icon represented by the super-model Kate Moss. Combined with the lower message including such a partially exposed phrase as “You deserve to have your wish come true,” this work may be interpreted as the scene in which Blue Fairy allows Kate Moss to have all her wishes come true4), at least understood straightforwardly.

However, this work deeply re ects reality, fairy-tale-like imagination5), and the artist’s own concern, and undoubtedly, its visual composition appears rst before its content. Division of canvas, juxtaposition of colors, and such gures as to give balanced impressions provide the unilaterality and unity of an image. Be that as it may, this picture is essentially to recognize the traditional ideal beauty and iconic images fabricated by media as the meaning-body of cultural discourse and to include a problematic about the linguistic aspects and structure of imagery unfolded in various contexts.6)

Besides, the artist’s original imagination is also added to such works as Divided Diver Jack (2016), which describes a diver divided almost in half, Horse Mask (2016), and Nancy & Sally (2016), helping the lived experiences, memories, mental images, and perceptual experiences to emerge as more physical rep- resentations, having in mind such an unfolding of reason from images to the power of abstracting an idea. Amongst such works, one eye-catcher is the recent Sequence-II (2017). This work in which, as in Hula Guys (2017), the letters “Amazon” is branded on the backdrop of a ghter ying in the sky may per- haps be seen to signify there is nothing that Amazon cannot sell, as if implying such a warning message to the present day that even a formidable weapon can be consumed indiscriminately so as to make people insensible to the image itself. However, given it utilizes a conventional gure, there remains a question we should ask about the arti ciality, propagation, and learned values of the image itself.

Particularly, I put more weight on the learned values from this picture. Furthermore, I nd a connection between this and a story rehearsed by Jean Baudrillard, French sociologist, who attracted public atten- tion by publishing such a provocative article as “The Gulf War Did Not Take Place.”This article included a paradoxical argument that what we can recognize from the media are only the simulated images and the Gulf War did not happen really outside the media. That is, he was pointing out that the images of war and violence are recognized through media like the scenes in a computer game, while the pain in icted by them is not so much re ected upon but only consumed as a spectacle.

In the same vein, Eum’s works also paradoxically reveal the fact that images today have profound in- uence on us. As shown in many works including Blue Fairy-Kate (2016), this artist’s paradox becomes manifest also by removing a concretely meaningful narration. Moreover, the power of abstraction generated in the arti cial process of removal solidi es the painting more as a meaning-body. Although his works leave a lingering imagery of child-like painting apparently, each and every one of them can be considered a sensitively designed device such as a dashboard and a star in the Sequence series, and a sentence in Brufen.

The artist summarizes these as an“intentional cacophony and pretty disharmony.”As a matter of course, it feels less like pretty disharmony but more like comparative language system from my perspective. At any rate, they undoubtedly make a “visual language that opens various possibilities for imagination,” expressing the world the artist sees and hears of. Undeniably as well, not only do they prove the age of over owing images transmitted indiscriminately, but they also warn against the current in which such images are overwhelming reality without any critical context.

Furthermore, whatever their expression means are, his paintings are not simple icons or pictures but have so various layers according to ideological, semantic, and semiotic interpretations and readings. As signi ed by the semiosis of “Amazon,” they do not belong to a single culture so much but are ap- proached more variously and complexly in popular, historical, social, and political ways. It is also re- vealed that according to the way of interpretation they can be cultivated, rami ed, and deconstructed into many kinds of variations.

Nevertheless, Eum Hayoung’s paintings do not roughly reveal how the media including representa- tions of pain in uence our sensibilities or the necessity of active consideration about the pain of others in the society of over owing images, as in Sequence-II. Rather, his works generally have soft and hetero- geneous ambivalence.7) And we read another grain of stories in the ambivalent area.

His works beginning in this imagination and curiosity create new images through combinations of di erent images, which are then arbitrarily recombined and reconstructed in relation to media and so ultimately moved to an unfamiliar area. Afterwards, many people encounter the meanings set and sug- gested by the artist, i.e. the outcome of imaginations about various emotions acquired in the process of collecting images through the media and reconstructing stories from them. These are so unnatural, but such unnaturalness instead increases the density of interpreting his works. It is not too much to say that this is the very characteristic of Eum Hayoung’s works.

For his part, the artist said the Advance, Ultra Spec, and acrylic paints of Benjamin Moore are used in mix for his works. Visiting its web site, I saw Benjamin Moore introduced as a 130-year-old traditional eco-friendly paint. The artist explained to me that he has applied this paint for his works since about four years ago, studying much about such expressive values for contemporary art as levelling and the di erence by luminosity, of such various products as Ben, Ultra Spec, and Advance.

The important thing is in the message he wants to impart. Also, how contemporary and resonant such a message can be is crucial. Besides, how it proves to be an art matters as well. Fortunately, what he took as themes give a quite profound task to our contemporaries, attracting us to investigating upon what is seen and what can be understood.

Eum Hayoung displays the sensibilities of receiving, interpreting in his own way, and taking as artistic themes the far-reaching power, roles, and values of contemporary images through diverse symbols and signs. Many things like horse, star, ghter, person, ship, and vase exist as devices that e ectively en- throne the artist’s sensibilities and as instruments that articulate his thematic consciousness. Moreover, these all devices are the outcome of intentional and quite elaborate calculation.

By the way, this elaborate calculation shackles the autonomy inherent in the artist’s mind. The fact that it reveals his past working pattern of completing by precise distinction is also hardly ignorable. We can witness in Hula Guys, Blue Fairy-Kate, and Nancy & Sally some gestures of straying away and increasing e orts of escaping from the situation in which reason dominates emotion, but many of his pictures still include strong narrations, footnotes, and fairy-tale-like narratives. Obviously enough, this is what was set by the artist’s working environment, sense of values, and personality formed for long years.

None the less, the characteristic of painting prefers senses to logics and calculation, and indeed is unre- lated as well to the category of solidly understanding others. When iconology is too strong, it becomes an obstacle to approaching the origin of a work. It is highly because we openly share the universality and innate rhythm of experience that we shed tears in front of Mark Rothko’s painting even if we do not know of it, that we feel something gloomy but indescribable when looking at Jean Michel Basquiat’s painting, and that we meditate upon the solitude, loneliness, and alienation in life when encountering Edward Hopper’s painting. If I should add one more (although from a di erent discipline), Olafur Elias- son’s The Parliament of Possibilities also clearly proves this.

For these works, explanation is arrière-garde while impression is avant-garde. Reason takes its place only in the creative process. There is no reason why such a process should become a material part of painting, while the real charm is in the spaciousness of being revealed, the diversity of interpretations, and deconstructing the reasoning for a correct answer. To do so, one should have very free dialogues with oneself. When losing the frame, one can come near to the base of expression, not to painting itself. It is after this moment that one pays attention to things and phenomena.

Nevertheless, I write this critique and have a hope in mind because I found some things stood out like the best of the bunch, such as the drawing against the rule in Nancy & Sally, the aesthetics of emptiness given o from the piece in Red Flower with Crocodile, and the inherent rhythm and autonomy spouting from some portraits; I thought such things seemed the best to represent Eum Hayoung himself. For instance, such works as Hula Guys and Blue Fairy-Kate attractively designate the direction in which he will walk from now onward. They evidence the possibility of replacing the operation of reason – which has been habitually repeated – with momentary deferral, the belief in the association of images taken up from everyday life, the a rmation of a unique language found after giving up representations, and the expectation for literary images.

1. “Image” as well as “imagination” are etymologically traced back to “imago.” Originally, “imago” signi ed the wax casting of the face of the dead, as well as psyche, phasma, and shadow; “simulacrum” which means the virtual image originally signi ed ghost; “ gura” which means form signi ed a departed soul; and the word “representation” signi ed an empty co n covered with black packaging or a colored gure shaped in behalf of the late person at a funeral. Thus, images are namely the arrière-garde of imagination, and the image itself can be seen as originating from the semantic de nition of this world and from the death beyond.

2. The term “sign” which, along with the term “symbol,” increased the expressivity of human consciousness originated from “sema” which means a tombstone. Al- though it has rami ed various meanings in visual arts, it originally indicated the ritual ceremony regarding death, the life’s terror confronting death, and the life’s substitute for death.

3. This lm is classic, but too old to remember now. So I asked the artist about the meaning of Blue Fairy in his work, feeling as if my blurred memories went stray from a strange maze.

4. In the past, Eum Hayoung has been known also as a fashion illustrator and artist, beginning with the work for Vogue in 2006 and building up his important career with illustration for long time since. It is in recent years that he turned his career into ne art. On the coming March 20, he holds an exhibition at Gallery4Walls to publicize his renewed career earnestly.

5. In order for the representation of images and perceptual experiences in the human mind to appear as a concrete symbol, imagination is necessary. Imagination is the power of reason to abstract an idea from an image, serving as a mediator between senses and thoughts. Eum Ha-young’s works are not practically representing, but operating in this imagination.

6. TheEidos,whichisthebasisforPlatotointerpretideaandforAristotletointerpretnature,originallysigni edthedepartedsoulofthedead,ghost,andidol(eidola).

7. Ambivalencestatedhereindicatesthedenseruminationupon‘tosee’and‘toberevealed’,theverbsattheforefrontofmaterial,behavioral,andintellectualstyles based on such conceptual pairs as interior and exterior forms, emotion and reason, fact and representation, arti cial and substantial beauty, sight and sense.


 

자연과 사물, 정신과 지각체험을 함의하는 이미지1)는 인간 자신이 처한 세계에 대한 시각적인 도식화이자 세계에 대한 분석이며 인간 주체의 시선을 실어내는 수단이다. 그것은 단순한 사물의 재현-모사를 넘어 인간 열망(삶과 죽음을 비롯한 기원성과 주술성 등)의 유무형적 표식이고 상징이자 기호2)이다.
이러한 이미지의 특성을 가장 효과적으로 파악하는 이들은 예술가이다. 일례로 오랜 역사를 지닌 회화는 한 화면에 화가의 인식작용에 의한 시간의 축적이지만, 그건 단지 기표적인 대상이 아니라 메타포(metaphor)와 상징을 담은 의미체에 가깝다. 동적인 작품들은 실시간의 흐름을 좇아 이야기를 전개하는 서사체로서, 정적인 것과 동적인 것은 어느 하나로 구분되지 않은 채 양자 간 연속성에 근거해 다양한 의미작용을 포함한 문화적이고 정치적인 성격을 띤다.

흥미로운 건 매체의 급속한 발달과 학제 간 결합에 의해 오늘의 시각적 표현은 과거와 확연히 다른 경향으로 나아가고 있다는 점이다. 이는 매체의 진화가 곧 형식의 범주를 벗어나 미술의 의미체계까지 바꿔놓고 있다는 것이며, 정보미디어의 범람은 가치구분의 낮은 효율성으로 인한 특유의 사변적 감각 경험은 물론, 지배적으로 침투하는 미디어의 영향에 따라 일상의 시지각적 색깔이 달라지고 사회를 이해하는 방식마저 변화될 수 있음을 가리킨다.

작가 음하영의 작업 역시 미디어의 영향에 따라 일상의 시지각적 색깔이 달라지고 사회를 이해하는 방식마저 변화할 수 있음을 텃밭으로 한다. 그는 자신의 작가노트에 “매체를 접할수록 정형화되는 과정을 지켜보면서 미디어의 영향력, 일정한 기준과 규범을 제시하는 사회에 대한 궁금증이 생겼다”며 “미디어가 제공하는 정보에 일방적으로 노출되면서 그 안의 진짜 이야기는 무엇일까라는 상상을 하게 되었다.”고 적고 있다. 이는 매체에 의한 형식에 대한 관심보다는 미디어의 파급력에 따른 ‘현상’ 자체를 의식하고 문제 삼는 태도라고 할 수 있다. 그래서인지 작가는 자신의 작품에 대해 “미디어를 통해 본 이미지들의 수집과 이를 이용한 이야기의 재구성 과 정에서 얻어진 여러 가지 감정들에 대한 상상의 결과물”이라며, “미디어 콘텐츠의 개인적 재해석의 과정”으로 결론 내리고 있다. 넓게 보면 이 말은 결국 예술은 세계의 일부라는 퐁티(Maurice Merleau Ponty)의 발언과도 맥을 같이 한다. 내적으론 세계란 의식에 의존하지 않을 수 있으나 이미지는 의식에 존재한다는 것을 뜻한다. 실제로 그의 여러 작품들은 미디어에서 차용한 다양한 제품을 비롯해 브랜드 로고, 특정문자, 이미지 등이 뒤섞여 있다. <Curved Vase>(2016)나 <Brufen>(2017)에서처럼 어떤 것은 노골적으로 문자와 이미지의 갈등을 교차시켜 기호성을 드러내지만 또 어떤 것에선 기존의 것을 지워냄으로서 작화적 의도를 강조한 것도 있다. 예를 들면 두 인형이 등장하는 <Hula Guys>(2017)에는 세계 최초·최대의 인터넷서점이자 종합 쇼핑몰인 아마존(Amazon)이라는 로고가 선명하게 새겨져 있다. 서로 다른 문화 간 보이지 않는 연결이 자발적 혹은 비자발적 굴레를 연상시키는 이 작품은 실체란 일정한 시간의 선위에 존재하지만 각각의 가상공간 아래 그리드 되는 현재를 상징한다는 데 그 의미가 있다. 또한 가공의 상태가 현존성을 포박한 나머지 현실화되는 작금을 반영하고 있다는 것, 현실과 가상의 구분의 철폐, 보임과 드러남의 가치구분에 대한 질문 역시 반영하고 있다. 이미지자체 의 가시성에 비해 의도성은 여러 갈래다.

2016년 작품 <Blue Fairy-Kate (You deserve to have your wish come true)>도 같은 맥락의 작품이다. ‘블루페어리’는 디즈니 만화에 나오는 피노키오 속 파란 요정이다.3) 피노키오를 인간으로 만들어 준 게 바로 이 파란 요정 블루페어리이다. ‘Kate’는 세계적인 패션 아이콘이자 슈퍼모델인 케이트 모스를 가리킨다고 하는데, 작품 하단에서 일부만 노출된 ‘You deserve to have your wish come true’를 연치하면, 파란요정이 케이트 모스에게 어떤 소원이든 다 이룰 수 있음을 지정하는 장면으로 해석할 수 있다.4) 직선적인 관점에선 그렇다.

하지만 이 작품은 현실과 동화적 상상력,5) 작가 자신의 관심사가 깊게 반영된 작업이며 내용에 앞서 시각적 구성(composition)에 먼저 눈이 가는 것이 사실이다. 화면을 분할한 것과 색의 병치, 균등한 인상을 심어주는 인물 들에서 이미지의 일방성과 통일감을 선사한다. 그렇지만 이 그림은 미디어가 가공한 전통적 이상미, 우상에 대한 이미지를 문화담론의 의미체로 파악하고, 다양한 맥락으로 전개되는 이미지의 언어적 양상과 구조에 관한 의문이 담겨 있다는 게 핵심이다.6) 이밖에도 반쯤 잘려나간 다이버를 그린 <Divided Diver Jack>(2016)를 포함해, <Horse Mask>(2016), <Nancy & Sally>(2016) 등의 작품들 역시 삶에서 건져 올린 경험들과 기억들, 마음 속 심상, 지각체험 등이 보다 물리적인 표상으로 나타날 수 있도록 돕는 작가적 상상력이 덧대지면서 이성이 이미지로부터 이데아(idea)를 추상하는 힘으로의 전개를 염두에 두도록 한다. 이 가운데 눈에 띄는 작품은 근작 <Sequence-II>(2017)이다. 전투기가 날아가는 배경 뒤로 <Hula Guys>에서처럼 ‘아마존’이라는 글자가 새겨져 있는 이 작품은 어쩌면 아마존에선 팔 지 않는 게 없다는 뜻으로도 해석할 수 있으며, 가공할 무기마저 무차별적으로 소비되어 이미지자체에 대해 무감각해지는 현시대에 대한 경고의 메시지도 함축되어 있어 보인다. 허나 이미 익숙한 형상을 차용하고 있다는 점에서 이미지자체의 인위성과 전파력, 학습되는 가치에 대한 의문도 고찰해야할 지점으로 남는다.

특히 필자는 이 그림을 보며 ‘학습되는 가치’에 무게를 둔다. 나아가 과거 프랑스 사회학자 장 보들리야르(Jean Baudrillard)와 얽힌 일화와 맞닿아 있음을 본다. 그는 걸프전이 한창인 1991년 당시 ‘걸프전은 일어나지 않았다’ 라는 도발적인 글을 발표해 화제를 모았는데, 그 글에는 우리가 미디어를 통해 인지할 수 있는것은 어디까지나 모사된 이미지일 뿐이며, 실제로 미디어 밖에서 걸프전은 일어나지 않았다는 역설적인 주장이 담겨 있었다. 즉, 그는 이미지를 통해 전달되는 전쟁과 폭력은 마치 컴퓨터 오락처럼 비춰지고, 그 고통은 성찰의 대상이라기 보단 오히려 하나의 스펙터클로 소비되고 있음을 지적하고 있었다는 것이다.

같은 선상에서 음하영의 작품 또한 오늘날 이미지가 우리에게 심대한 영향을 미친다는 사실을 역설적으로 보여 준다. <Blue Fairy-Kate>를 비롯한 여러 작품에서 드러나듯 의미의 구체적 서술을 지우는 행위를 통해서도 이러한 작가의 역설은 구체화된다. 더구나 인위적으로 덜어내는 과정에서 발생하는 ‘추상하는 힘’은 의미체로서의 회화를 더욱 견고히 만든다. 비록 외적으론 아이들 그림 같은 여운을 심어주지만 <Sequence> 연작의 계기 판 하나, 별 하나, <Brufen>에서의 한 문장까지도 예민하게 설계된 장치라고 할 수 있다.

작가는 이를 “의도적인 불협화음이며 예쁜 부조화”라고 말한다. 물론 필자의 관점에선 ‘예쁜 부조화’라기 보단 ‘ 비교언어’ 체계에 근접하다고 여기지만, 어쨌든 작가가 보고 듣는 세상을 표현하며 “상상력을 위한 다양한 가능 성을 열어주는 비주얼 언어”인 것만은 틀림없다. 무차별적으로 전송되는 이미지 과잉시대를 증거하고 그 이미 지들이 비판적 맥락 없이 실재를 압도하는 것에 대한 경각심을 말하고 있다는 사실도 부정하기 어렵다. 나아가 그의 그림들은 표현 수단이 무엇이든 단순한 도상이나 그림이 아니라 이데올로기적, 의미론적, 기호학 적 해석과 독해에 따라 매우 다양한 층위를 지니며, ‘아마존’의 기호성이 의미하듯 어떤 단일한 하나의 문화에 종 속되기 보단 복잡한 대중적, 역사적, 사회적, 정치적으로 다양하게 접근하고 있을 뿐만 아니라 그것을 해석하는 방식에 따라 또 다시 여러 변주로 개간되고 파생되며 해체될 수 있음을 보여준다.

다만 음하영의 그림들은 <Sequence-II>에서마냥 고통의 재현물을 담은 미디어가 어떻게 우리의 감수성에 영향을 미치는가에 대한 혹은 이미지 과잉사회에서 타자의 고통에 대한 적극적인 배려가 필요하다는 것을 거칠게 드러내지는 않는다. 오히려 그의 작품들은 전반적으로 부드러우면서도 이질적인 양자성7)을 지닌다. 그리고 우린 그 양자적 영역에서 또 다른 결의 이야기를 읽는다.

이처럼 그의 상상력과 호기심에서 출발한 그의 작업들은 이미지와 이미지의 결합을 통해 새로운 이미지를 생성하고,  그렇게 해서 일궈진 이미지들은 미디어에 대한 재조합, 임의적 재구성을 거쳐 낯선 영역으로 옮겨진다.

 

Hula Guys, 2017.

Gloss paint, Acrylic on wooden board. 150 x 150 cm / 59 x 59 inches.

 

이후 많은 이들은 작가가 설정-제시한 의미들, 즉 미디어를 통해 본 이미지들의 수집과 이를 이용한 이야기의 재구성 과정에서 얻어진 여러 가지 감정들에 대한 상상의 결과물과 마주한다. 이는 매우 부자연스럽지만 그 부자연스러움이 되레 음하영 작품에 대한 해석의 밀도를 높인다. 이것이야말로 음하영 작업의 특징이라 해도 무리는 없다.

한편 작가는 자신의 작품에 대해 벤자민 무어(benjamin moore)의 어드반스와 울트라스펙 페인트, 그리고 아크릴의 혼용으로 작업이 이루어지고 있다고 밝혔다. 홈페이지를 검색해보니 벤자민 무어는 130년 전통 친환 경페인트로 소개되고 있다. 작가는 이를 4년여 전부터 작품에 응용해왔고, 벤, 울트라스펙, 어드반스 등 다양한 제품들의 사용경험을 토대로 각 페인트의 레벨링, 광도별 차이 등 현대미술에서의 표현가치에 대해 많은 연구를 해왔다고 설명했다. 중요한 건 그가 전하고자 하는 메시지다. 또한 그 메시지가 얼마나 동시대적인지, 공명할 수 있는지가 핵심이다. 여기에 스스로 예술일 수 있음을 어떻게 증명하고 있는지도 관건이다. 다행히 그가 화두로 삼은 것들은 오늘날 동시대인들에게 꽤나 심도 있는 과제를 던진다. 보이는것과 이해할 수 있는 것에 관한 고찰을 유도한다. 음하영은 여러 상징과 기호를 이용해 동시대 이미지의 파급력과 역할, 가치를 수용하고 나름의 방식으로 해석하며 예술적 주제로 삼는 감수성을 내보인다. 말, 별, 전투기, 사람, 배, 화병 등, 화면에 등장하는 많은 사물들은 하나하나가 이 감수성을 효과적으로 옹립시키는 장치이면서 자신의 주제의식을 명료히 만드는 도구로 존재한다. 더구나 이 모든 장치들은 고의적이며 상당히 치밀하게 계산된 결과이다.

 

그런데 이 치밀한 계산이 되레 작가 가슴 속에 내재되어 있는 자율성을 속박한다. 정확히 구분되고 결과로 매듭지어지는 과거의 작업패턴을 엿보게 한다는 사실도 외면하기 어렵다. <Hula Guys>와 <Blue Fairy-Kate>, <Nancy & Sally>라는 제목의 작품에서 일부분 이탈하려는 몸짓이 느껴지고 이성이 감성을 지배하는 상황을 벗어나려는 노력이 가중되고 있음을 목도할 수 있지만 여전히 그의 많은 그림들에는 강한 내레이션과 각주가 존 재하며 동화책 같은 서술성을 띤다. 물론 이는 작가의 작업환경, 가치관, 긴 세월동안 축적된 성격에 의해 고착 된 것임은 명약관화하다.

하지만 회화성이란 논리와 계산에 앞서 감각이 우선하며 사실상 타자의 견고한 이해의 범주와도 무관하다. 지나친 아이코놀로지(Iconology)는 작품 근원에의 접근을 방해한다. 이론과 논리의 우세는 감성의 발현을 저해 한다. 우리가 마크 로스코(Mark Rothko)의 그림을 잘 알지 못하면서도 그의 그림 앞에 서면 눈물을 흘리는 것 과 바스키아(Jean Michel Basquiat)의 그림을 보며 무언가 형용할 수 없는 쓸쓸함을 느끼는 것도, 호퍼(Edward Hopper)의 그림에서 삶의 고독이나 외로움, 소외를 새기는 것도 체험의 보편성과 내재율이 공유되고 개방되어 있는 탓이 크다. 굳이 추가하자면 (분야는 다르지만) 올라퍼 엘리아슨(Olafur Eliasson)의 <세상의 모든 가능성>만 봐도 확연해진다. 이들 작품은 설명은 후위이며 감동이 전위이다. 이성의 자리는 어디까지나 창작과정에서의 몫이다. 과정이 회화의 일부로 개입될 까닭은 없으며 드러남에 관한 광활함, 해석의 다양성, 정답으로서의 추론을 해체하는 것이 묘미다. 그러려면 대화의 대상은 나 자신이어야 하며 굉장히 자유로워야 한다. 프레임을 상실할 때 그리는 게 아닌 표현의 근간에 다가설 수 있다. 사물과 현상에 대한 주목은 그 이후다.

그럼에도 비평을 생산하며 희망을 염두에 두는 건 <Nancy & Sally>에서의 탈규칙적인 드로잉, <Red Flower with Crocodile> 에서 뿜어져 나오는 공허의 미학, 몇몇 자화상에서 분출되는 내적 리듬과 자율성이 군계일학처럼 존재하고 있었다는 점 때문이다. 그 일부의 작품에서 가장 ‘음하영답다’는 생각을 했던 탓이다. 일례로 <Hula Guys>를 비롯한 <Blue Fairy-Kate> 등의 작품은 그가 걸어갈 향후의 방향성을 매력적으로 지정한다. 습관처럼 반복해오던 이성의 작동을 순간의 지연으로 대체할 수 있는 가능성, 일상에서 걷어 올린 심상의 연상 작용에 관한 믿음, 표상하기를 단념한 뒤에 찾아오는 고유 언어에 대한 확신, 문학적 이미지에 관한 기대를 증거 한다.

 

1. 이미지(image)는 상상력(Imagination)과 더불어 그 어원을 이마고(Imago)로 한다. 이마고는 원래 죽은 사람의 얼굴을 뜬 밀랍 주조와 귀신(영혼, psyche)과 환영 (phasma)과 그림자를, 가상을 뜻하는 시뮬라크룸(Simulacrum)은 유령을, 형태를 뜻하는 피규라(figura)는 귀신을, 그리고 재현이라는 말은 장례 의식에서 검은 포장 이 드리워진 빈 관이나 고인을 대신해 빚어 만든 채색된 형상을 의미했다. 따라서 이미지는 곧 상상력의 후위이며 이미지자체는 현세에 대한 의미규정과 죽음으로부터 태동했다고볼수있다.

2. 상징과 함께 인간 의식의 표현 가능성을 증대시킨 기호라는 말은 묘석을 뜻하는 세마(sema)에서 유래했다. 지금이야 시각예술에서 다양하게 파생되어 있지만 원래 는 죽음과 관련한 제례 의식을, 죽음을 대면한 삶의 공포를, 죽음을 대신할 삶의 대용물을 지시했다.

3. 명작이긴 해도 하도 오래된 탓에 블루페어리에 대한 의미를 작가에게 물어봤다. 마치 희미한 기억이 낯 선 미로를 벗어난 기분이었다고 할까.

4. 과거 음하영 작가는 패션 일러스트레이터이자 아티스트로 이름을 알리기도 했다. 그 첫 시작은 2006년 『보그』와의 작업이었으며, 오랜 시간 일러스트레이션으로 중 요한 경력을 쌓아 왔다. 순수미술계열로 방향을 틀은 건 최근이며, 오는 3월 20일 갤러리포월스에서 그 본격적인 행보를 알리는 전시회를 개최 한다.

5. 인간 마음 속 심상, 지각체험의 재현이 구체적인 어떤 표상으로 나타나게 하기 위해서는 상상력이 필요하다. 상상력은 이성이 이미지로부터 이데아(idea)를 추상하 는 힘이며, 감각과 사상의 중개자 역할을 한다. 음하영 작업은 실제적 재현이 아닌 이 상상력 내에서 이뤄진다.

6. 플라톤이 절대이념(idea)을, 그리고 아리스토텔레스가 자연을 해석하는 기초인 형상(에이도스, Eidos)은 원래 죽은 자의 망령과 유령과 우상(에이돌라, eidola)을 뜻했다.

7. 여기서 말하는 양자성이란 내형과 외형, 감성과 이성, 사실과 재현, 인공미와 실체미, 시각과 감각 등을 토대로 한 물질의, 행동의, 지성의 양식의 선두에서 그것들의 어미형인 ‘보다’와 ‘드러나다’에 관한 밀도 있는 고민을 가리킨다.

 

 

Posted byEUM